A teoria do distanciamento de Brecht tem o intuito de fornecer uma diversão possível na era das possibilidades científicas; bem como um meio de se buscar, através da diversão, uma abertura para a apropriação coletiva de si como possibilidade de manipulação promotora de justiça.
Ele surge no rastro de uma constatação de uma mutação da observação:
86 LYOTARD, op.cit., p.7.
Identicamente, o técnico de obras fluviais, vendo um rio, vê ao mesmo tempo, seu leito primitivo e vários outros leitos fictícios, possíveis se a inclinação do planalto ou o volume da água fossem outros. Enquanto ele vê em pensamento um outro rio, o socialista ouve, em pensamento, uma nova espécie de diálogo entre os trabalhadores rurais à beira do rio.88
Assim, sendo latente, ao observador, quaisquer que seja sua classe, regozijar-se com investigação do virtual na natureza ou no convívio social, um teatro que buscar tornar, a si mesmo, um espaço de elaboração e percepção do virtual, provavelmente logrará levar diversão a este novo observador. “Do mesmo modo, o nosso espectador devia encontrar no teatro esboços e ecos que se desenrolam entre os referidos trabalhadores rurais.”89
Uma ética específica para com esse observador deverá nortear as ações:
Um dos prazeres específicos de nossa época, que tantas e tão variadas modificações efetuou no domínio da Natureza, consiste em compreender as coisas de modo que nelas possamos intervir. Há muito de aproveitável no homem, dizemos nós, poder- se-á fazer muito dele. No estado em que se encontra, é que não pode ficar: o homem tem de ser encarado não só como é, mas também como poderia ser. Não se deve partir dele mas, sim, tê-lo como objetivo. O que significa que não devo simplesmente ocupar o seu lugar, mas pôr-me perante ele.90
Portanto, não se trata de dizer que o distanciamento, em Brecht, que transformar o espectador em cientista. Pelo contrário, ele já parte do pressuposto dele sê-lo de alguma maneira. Diferentemente do que crê Rancière, a arte, para Brecht, não cria novas formas de vida; ela tão somente capta formas latentes - por vezes incipientes, outras tantas porém já de grande apropriação coletiva - de uma diversão possível no interior de uma determinada época. O artista procura desenvolvê-la como pode produzindo decisões formais; entretanto, mesmo que o artista por ventura escolha produzir completamente sozinho, essas decisões são realizadas sempre em conjunto com observador que, por sua vez, põe a teste a obra investigando diversões possíveis - e nisto manipula a obra de tudo quanto é jeito (seja pela via oral, gestos corpóreos, críticas, dissertações, relances sonolentos, sonhos, com fotografias “de turista”, etc); revelando um corpo inesgotavelmente fluido e vivo para a obra observada. Se houver uma afinidade, ambos entram num acordo tácito91, e então há um ajuste mais
próximo acerca das atitudes éticas capazes de promover uma ampliação da diversão no próprio tecido social. Este é um momento muito belo: depois de um encontro, o artista e o observador tornam-se novamente solitários, entretanto, ligados por um sutil elo de afinidade que os tornam, então, entes sincrônicos no convívio com o abstrato, isto é, na luta
88 BRECHT, op. cit., p. 115. 89 Ibidem.
90 Ibidem, p. 117.
por tornar observável a massa dispersa, difusa, do próprio mundo. Para o artista, é sempre difícil alcançar o momento em que uma afinidade se torna possível - ele tem de cruzar uma massa inobservável de informações, expressões poéticas, logos mas também infinitos gestos, e ainda, tem de encontrar uma maneira de organizar uma visibilidade possível para o que faz; mas para o observador singular, uma dificuldade semelhante ocorre, na medida em que ele tem de cruzar uma infinidade de impedimentos, de escleroses, de “temas”, de diversões baratas e degeneradas, e ainda, cruzar uma infinidade de obras, tudo isto até que ele consiga reunir, entre diversas observações, a centelha de uma descoberta entremeio às obras que permite a ele, então, transformar o próprio mundo em diversão e, nisto, cercar-se de elos de afinidade que garantam um recinto para o espraiamento das sinapses observativas.
Nisto não há diferença alguma entre Titanic e Éloge de L’amour. Ambos conservam um mesmo princípio heurístico: capturar formas possíveis de diversão, propor uma modulação que, então, é apropriada pelo público, que passa a manipulá-la de acordo com seus interesses e, se houver afinidade, a ampliá-la, com novos experimentos, a diversão no tecido social. Lembro de mim, ainda criança, testar alguns toques e olhares ao modo do protagonista loiro de Titanic nos jogos de sedução infantil - isto, é claro, porque tal filme produzia uma diversão empática mais forte que os demais filmes, a ponto de ser razoável para a criança estabelecer certas afinidades entre ele e suas formas de linguagem sexual. Hoje, é com afinidade que vejo todo o sentido em se distinguir o gozo da existência de uma outra, mais profunda, a da vida; entretanto, afinidade que torna impossível qualquer imitação - tornar-se afim de Godard só pode dar-se ao modo do elogio.
Arte, então, diverte e seduz - e Virginia Woolf via em Shakespeare essa capacidade inesgotável de sedução, na medida em que lê-lo sempre conserva esse algo além que consiste na própria indicação de uma possibilidade ainda mais alta de diversão...
É um lugar comum dizer que cada crítico encontra suas próprias características em Shakespeare. Sua variedade é tal que todo mundo pode encontrar espalhado aqui ou acolá o desenvolvimento de alguns de seus próprios atributos. Então o crítico acentua ao que ele sensível, compõe seu próprio sentido, e diz... nas palavras de Shakespeare... Mas sempre há algo além... que seduz o leitor. E é esta qualidade que finalmente nos ilude, dando a ele uma vitalidade perpétua, ele excitando uma curiosidade perpétua...92
Já Cildo crê que um objeto de arte não pode dar-se sem a imediaticidade sedução.
Para mim, o objeto da arte tem que ter, apesar de tudo, uma sedução imediata, não pode prescindir desse movimento sedutor. Sobretudo considerando que a inteligência não é uma coisa determinada pela quantidade de informação. Se um objeto tem carga
poética suficiente para ser considerado um objeto de arte, deveria ser compreendido por qualquer pessoa, ainda que ela não dispusesse de informação. Essa sedução do não-especialista me interessava. Por isso, tento fazer coisas que tenham esse grau de comunicação, de imediaticidade.93
Porém, a arte pode também realizar uma crítica das condições relativas à diversão na época. Esses debates, em geral de teor essencialmente estético, revela-se político quando se procura discutir, sobretudo, tornar manipulável a base das coisas. A constatação do risco da diversão e do uso função empática hoje, por exemplo, torna-se política na medida em que torna-se indistinguível o que é uma nova proposição estética daquilo que é uma tentativa de desentrelaçar as antigas formas de afinidade entre observador e arte - por exemplo, a técnica do distanciamento, que iremos estudar mais á frente, ela é tanto uma tentativa de capturar o fenômeno de aparição da multiplicidade inesgotável como uma ferramenta muito precisa para cortar, a machadadas, o antigo elo entre certa fisiologia das sensações e o “corpo- cancional” do “o” homem da função empática.
Para Brecht, era importante romper o elo para que o homem pudesse se emancipar do efeito autônomo da “a” energia e passar a encontrá-la através de uma manipulação consciente. Resgatar do domínio da energia insandecida do capital o destino.
Novamente, uma diferença sensível. Na Política dos Sólidos, pretende-se o teatro como um campo altamente energizado de pathos de trocas livres de narrações que levam a outras narrações, de logos que propiciam novos logos. Porém, essa política supostamente livre não pode ser concebida sem desembocar numa pedagogia das performances que estipula regras estritas - não abarcar a totalidade do campo; manutenção de mestre e aluno; tornar-se produtor (de saber); performar a “capacidade do anônimo”; conectar pontos de conhecimento; etc. Na Política dos Fluidos, parte-se sempre da constatação de um observador concreto, circunscrito em lutas reais e imediatas, e da identificação de diferentes regimes estéticos mais ou menos precisos com relações diretas com o quadro sincrônico da época. Um teatro responde, dessarte, procurando “a diversão que lhe interessa”, e para tal produz estratégias concretas para a representação. Porém, ao fim, o que pareceria rígido demais, pretende-se, de fato, sempre efêmero, alicerçado na diversão e na descoberta de novas necessidades, conservado à luz do gozo das diversões livres, restando como apenas vários acenos de afinidade com as frequências imoduladas da vida - o único fluido verdadeiramente livre que deve trespassar todos os domínios.
O teatro pode, assim, levar seus espectadores a fruir a moral específica de sua época, a moral que emana da produtividade. Tornando a crítica, ou seja, o grande método da produtividade, um prazer, nenhum dever se deparará ao teatro no campo da moral: deparar-se-ão, sim, múltiplas possibilidades. A sociedade pode
mesmo extrair prazer de tudo o que apresente um caráter associal, desde que o apresentem como algo vital e revestido de grandeza; assim se nos revelam, com frequência, forças intelectuais e inúmeras capacidades de especial valia, empregadas porém, evidentemente, com propósitos destruidores. Ora bem, a sociedade pode mesmo gozar livremente, em toda a sua magnificência, dessa torrente que irrompe catastroficamente, desde o momento que lhe seja possível dominá-la, passando nesse caso a corrente a ser sua.94
Creio que essa é uma definição fundamental para um outro modo de observar possível em nosso tempo; e também, a melhor maneira de se descrever o trabalho de Cildo Meireles. É sempre desastroso quando uma Política dos Sólidos descreve obras de Cildo. Em Através, por exemplo - como iremos estudar mais à frente -, um crítico sólido arma sua questão como “um monumento à repressão passiva”, sem, contudo, se preocupar com o fato de que todo monumento tem uma existência ambígua: sendo objetos de culto, eles podem tanto servir para um culto da crítica quanto louvor. Porém, não seria Através, justamente, uma forma de tornar divertida a catástrofe? Isto é, apresentar a questão do controle na sociedade de uma forma “vital”, revertendo a torrente ao ponto de que até mesmo algumas meninas, com o auxílio das formas brilhantes e retorcidas da bola de celofane, possam manipular uma dor até então apenas dispersa sobre o espaço e o corpo como tensão(energia, hoje, existe sobre redes de alta tensão)? Com a ajuda de Através, tornara-lhes possível a realização de um gesto vital descobridor do si do mundo como ó entrelaçado ao nunca foi.
Portanto, em Brecht a questão é sempre outra: não se trata de como criar novas possibilidades de se representar uma história (tradução); mas, ao contrário, como apresentar a própria possibilidade como uma instância passível de apropriação?
Dir-se-ia, então, que o teatro de Brecht procura, onde for, não representar mas apresentar, tendo como objetivo o domínio do gestus - gestos que, por sua vez, se apropriam do próprio ato de criação do homem. As alterações estéticas que se seguem para fazer a passagem do domínio da representação ao da “apresentação” seriam, resumidamente:
- Relatividade Histórica: uma história, ao ser representada, não deve ser adaptada ao olhar atual; pelo contrário, deve ser apresentada conservando a singularidade das épocas e contextos distintos, onde for tornando observável de forma clara as diferenças da estrutura social;
- Atitude Crítica: deve-se evitar a ideia de que os resultados singulares de uma personagem em um determinado contexto advém de forças obscuras expressas em segundo plano. O observador não pode ser levado a crer que “também teria eu agido assim”, pois não apenas as épocas diferem como ele difere da personagem; e até mesmo a personagem, se um mesmo acontecimento ocorresse algumas horas posteriormente (o teatro de Brecht se diverte
em analisar essas diferenças possíveis), ela mesmo teria agido de outra maneira - como a representação inevitavelmente o faria, ao conservar o que se apresenta numa inesgotável relação com um ponto aquém ou além, podendo ser esse ponto ocupado, portanto, pelo próprio espectador, que se crê “representado” pela personagem.
Portanto, do teatro apresentado cabe observar as singularidades do(s) gesto(s) e, a partir dele, intuir o todo sincrônico ao qual a apresentação pode ser ligada, com o intuito de manter passível de manipulação a realidade (por ora mantida ausente na ocasião da apresentação teatral, que mantém-na reciprocamente indeterminada em relação ao que se encena).
- SER VIVO SINGULAR: Brecht se faz uma pergunta muito bela:
Se uma pessoa se exprime numa perspectiva histórica, se reage de acordo com sua época, e se, noutras épocas reagiria diferentemente, não será, então, muito simplesmente, essa pessoa um protótipo de todas as outras?95
Isto é, numa época científica, o homem reconhece a história que lhe precede não mais através de uma conversão numa emoção una, mas, precisamente, ao reconhecer-se protótipo daquilo que, entretanto, já não pode mais ser hoje mas conserva-se, entre nós, com toda a beleza da potência vital. Ao observador, portanto, somente interessa aquilo que se apresenta - nisto, recuperável, em sua aparição, por toda a criatividade diacrônica-sincrônica que estimula-se ao observar -; em última instância, interessa ao observador apresentar-se a si próprio, com todo o assombro de sua humana inumanidade.
- TEATRO DA CONTRADIÇÃO: e é no esteio do ser vivo singular que Brecht se faz outra
pergunta bonita: “Onde encontrar o ser vivo, o próprio e inconfundível, aquele que não é absolutamente semelhante ao seu semelhante?”96 Ora, tal ser vivo singular, para torná-lo
possível de ser observado, seria preciso recorrer à mais pura encenação da contradição, que consiste em fazer convergir, na imagem, o quanto mais for possível de aparições contraditórias, como imaginar-se-ia o caso “um homem que está fazendo um discurso num vale e que, de vez em quando, muda de opinião, ou apenas diz frases que se contradizem, de maneira que o eco, acompanhando-o, põe as frases em confronto.”97
- LIBERDADE ÓTICA: o espectador deve encontrar uma forma de realizar “montagens
fictícias em nossa construção”, isto é, se beneficiar do teatro através de uma observação virtual. Por exemplo, ao substituir uma força motriz social por outra, transformando um comportamento adequado a uma situação em algo “anormal”, extirpando de toda a
95 Ibidem, p. 114. 96 Ibidem.
circunstância seu efeito de naturalidade e, portanto, restituindo-lhes a possibilidade de ser, efetivamente, apresentado como fato integral desvelado pelo próprio gesto que se executa.
A liberdade ótica se alcança, portanto, ao procurar produzir uma encenação despida de toda natural habitualidade e, portanto, encontre, no estranhamento, mas também, na pureza dos gestos simples, a aparição integral do tempo denso que toma forma no assombro.
- O DISTANCIAMENTO, que analisaremos a seguir.
2.I) O DISTANCIAMENTO
O distanciamento é uma das grandes apresentações da complexidade e da virtualidade do homem compreendido como território da investigação do possível. Ele também é uma das grandes contribuições para a observação, se se quer observar a multiplicidade inesgotável da vida hoje.
O distanciamento se opõe à familiaridade, isto é, acontecimentos resguardados de qualquer intervenção. Ao distanciamento, interessa não o bizarro - isto é, o familiar tornado degenerado, estranho - mas o desconhecido. Nesse caso, dir-se-ia que o distanciamento também entra em choque com certa cultura contemporânea que, desde David Lynch aos sites de internet que misturam signos de forma aleatória, tem tentado se divertir revestindo as possibilidades tecnológicas e espetaculares em uma dualidade: a clareza do design versus o bizarro aleatório - em resumo, uma dualidade ao redor da familiaridade (tornar o bizarro familiar; tornar o familiar bizarro, etc)98.
“O que permanece inalterado há muito tempo, parece ser inalterável. (...) Mesmo que reconheça que aquilo que a ‘providência’ lhe impõe é o que a sociedade providenciou, a sociedade - esse poderoso conjunto de seres que lhe são similares - haverá de parecer-lhe um todo maior do que a soma das partes; desta forma, tudo o que não é susceptível de ser influenciado será familiar: e quem desconfia do que é familiar”99
O problema da multiplicidade em Brecht, portanto, não é um problema formal mas de observação. Não consiste em promover “novas aventuras intelectuais” mediante trocas interativas mas, sobretudo, em restituir, a todo fenômeno observável que se apresenta, uma margem para a manipulação direta de suas bases essenciais:
um olhar de estranheza idêntico àquele com que o grande Galileu contemplou o lustre que oscilava. As oscilações surpreenderam-no, como se jamais tivesse
98 Como vê-se construir ao redor das fotografias de uma Nan Goldin, por exemplo, uma certa cultura da “normalidade alterada”, evidente nas fotografias de Terry Richardson, hoje um dos fotógrafos mais requisitados pelas celebrities do mundo pop familiar, responsável por conferir ao representado certo ar de “cheirado”.
esperado que fossem dessa forma, como se não entendesse nada do que se estava passando; foi assim que descobriu a lei do pêndulo. O teatro, com suas reproduções do convívio humano, tem de suscitar no público uma visão semelhante, visão que é tão difícil quanto fecunda. Tem de fazer com que o público fique assombrado, o que conseguirá, se utilizar uma técnica que o distancie de tudo o que é familiar100.
Tornar toda familiaridade distante; conservar, porém, toda singularidade em diapasão com o quadro sincrônico de sua época, de forma que ela permaneça manipulável e cognoscível - e então extrair da apresentação das complexidades a diversão renovadora que nos permita, observando, redescobrir, em nosso bojo, o protótipo das épocas, isto é, apresentar, de uma só vez, todo o tempo, e também o nosso tempo, ambos no limite do atemporal, com as vestes efêmeras da vida: tal consiste o desafio do distanciamento.
Por isso, o distanciamento terá sempre, como princípio, a apresentação; como meio, os gestos; e como objetivo final, o assombro: assombro que não consiste no instante em que a representação alcança a verdade relativa ao tempo; ele é o momento em que, inversamente, é o próprio objeto ou evento se apresenta diretamente aos nossos olhos no presente integral - um presente que contém toda a idade da humanidade, presente denso que não contém qualquer intervalo através do qual possa ser projetada a psicologia do sujeito. No assombro, portanto, não se trata de representar algo relativo à unidade essencial; pelo contrário, trata-se de apresentar a singularidade em toda sua inobsevável multiplicidade enquanto portadora integral do homem como fato manipulável em sua assombrosa - divertida e sedutora - aparição. O homem deve aparecer ao próprio homem - esta é a distância que o distanciamento gostaria de traçar.
O distanciamento, “para conferir mobilidade ao domínio social, trata as condições sociais como acontecimentos em processo e acompanha-as nas suas contradições”101 Uma
sociedade em processo, então! Como tanto se almeja em toda a nossa cultura estética, desejosa de ver, onde for, as coisas em processo. Entretanto, por em processo também a base das coisas.
Para por as coisas em processo, Brecht crê no gesto - aquele capaz de inserir-se na concretude da situação singular e, então, fazer passar-lhe o fluido de uma frequência imodulada de resistência e beleza, puro gesto vital trançado no corpo sincrônico - em oposição ao ato mágico - todo ato, dir-se-ia, que carrega em seu bojo um efeito de suspensão do logos que nos fascina e, no seu esteio, nos dá a impressão de, em seu útero, dar forma às